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一些NewAge音樂大師及其代表作品
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- 2007/02/12(Mon) -
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Enya(恩雅)
首先介紹恩雅，是因爲她是所有New Age人中最影響力最大的，畢竟喜歡新世紀的人不算很多，而恩雅的知名度卻一點都不亞于那些流行歌手。恩雅的真名是Eithne Ni Bhraonain，後來改叫Enya。用這個發音近似的字代替，既可以讓人很容易就記住她，又避免了發音問題。1986年BBC電視台開始制作一部關于凱爾特人曆史和文化的記錄片，Enya簽約創作並演奏該紀錄片的音樂。1987年凱爾特人（The_Celts）首 次播出，它的音樂集以名爲恩雅的專輯發行，但她的這首張專輯並未引起注意。在1988年發行的水印（WaterMark）一炮走紅,其中的單曲《Orinoco Flow》蟬聯了多個國家排行榜的首位。接下來的《Shepherd Moons》驚人地締造了全球11000000張的銷售量，並獲得了格萊梅最佳新世紀專輯獎，她的另一張專輯《The Memory Of Trees》也獲得此殊榮。需要注意的是，在恩雅背後還有制作兼編曲Nicky Ryan、填詞者Roma Ryan的合作，這三人缺一不可。另一點值得一提的是，恩雅從來不開個人演唱會，由此可見要是沒有一個專門的小組負責處理恩雅的聲音，她想獲得今天的成績也是不可能的。對于想了解恩雅的朋友，可以關注這三張專輯：1997年的《Paint the Sky with Stars》 ，這是一張精選集收錄了在此以前的所有好歌；2000年的《A day without rain》，這是她最近的一張專輯，風格同以前完全一樣；2001年的《The Lord of The Rings》電影原聲，主題曲《May It Be》便是恩雅所唱，雖說只有一首而已，但她在歌壇的地位可見一斑。
Secret Garden(神秘園)
對中國樂迷來說，神秘園是另一個耳熟能詳的名字。在神秘園的官方主頁，可以看到如下這段話：Once upon a time .. a Rolf met a Fionnuala... and they made magical music together。這句話便是對他們兩人最精辟的介紹了。但我在這裏還要再廢話幾句，男的羅夫蘭是挪威音樂家，女的雪麗是愛爾蘭小提琴家，他們憑一首《夜曲》（《Nocturne》）獲得1995年的歐洲電視歌曲創作比賽大獎，從此成名。夜曲的歌詞才24個字，可以說是純粹的器樂樂曲，而歐洲電視歌曲比賽從來沒有這種音樂獲獎的先例，因此有人說神秘園重新定義了這個比賽。到目前爲止，神秘園一共出了四張專輯：《Songs From A Secret Garden》、《White Stones》、《Dawn Of A New Century》、和最新的《Once In A Red Moon》。因爲數量不多，如果感興趣很容易就能收齊。
Bandari(班��瑞)
這差不多是國內喜歡新世紀的人中皆知的樂隊，譯爲班��瑞。“班得瑞”來自瑞士，它是由一群年輕作曲家、演奏家及音源采樣工程師所組成的一個樂團。團長奧利佛•史瓦茲(Oliver Schwarz)是一位多才多藝的音樂人，不但專長多種樂器，更熟撚先進的錄音工程，曾與爲莎拉-布萊曼制作《Time To Say Goodbye》的天王制作人阿曆克斯•克裏斯坦森合作，制作過不少專輯，但摯愛NEW AGE音樂的他，最終選擇了將一身才華奉獻給瑞士山林。 “班得瑞”就是這樣一群生活在瑞士山林的音樂精靈。他們從不願在媒體曝光，一旦開始執行音樂制作，便深居在阿爾卑斯山林中，直到母帶成品完成。置身在自然山野中，讓班得瑞樂團擁有源源不絕的創作靈感，也擁有最自然脫俗的音樂風格。每一聲蟲鳴、流水，都是深入瑞士山林、湖泊，走訪瑞士的阿爾卑斯山、羅春湖畔、玫瑰峰山麓等地記錄下來的。爲了采集自然界音效，上山下海、甚至露宿山林，對“班得瑞”來說算是家常便飯。團員們必須熟知每一種候鳥的季節性與飛行路徑，爲了數分鍾的音效，往往守侯數月之久：團員們更必須舉著比人身更長的錄音架往峽谷中央采集風聲，整個過程險象環生，但也因爲如此，班得瑞樂團才能將這些音效栩栩如生地呈現在專輯裏。“班得瑞”這個夢幻般的抒情演奏樂團，將屬于瑞士的湖光山色，在音樂中予以唯美地具象，每一個音符，都代表層層壓縮到內心裏的感動。 在國內任何一個新世紀音樂站點都能看到關于她的簡介，但在國外網站不管是Google Directory還是MSN音樂頻道，從來沒有一篇對她的介紹。
ENIGMA(英格瑪)
無論你在世界什麽地方，都可能聽過這樣的聲音：一種天生的美國式的聖歌，一種通過西方流行音樂節奏表現出來的遙遠的非洲部落或嚴肅的宗教的回聲。這就是謎的音樂。它的名字和風格都是那樣令人鼓舞。並且難以置信地在世界範圍內都得以廣泛的流傳。然而，很多時候，人們只是聞其聲，卻極少了解“謎”背後的故事。“謎”到底是個什麽樣的組合？Enigma源于希臘文，意指“謎一般神秘難解之事”。因此名字除了翻譯成英格瑪之外還譯作“謎”。1990年��國音樂制作人MichaelCretu以Enigma之名發行了第一首單曲《Sadness Part One》。這首樂曲在23個國家登上了排行榜首位，並在美國Billboard專輯榜上停留了長達五年之久。發行的專輯有：1994年《Cross of Changes》；1996年《Le Roi Est Mort, Vive Le Roi》；1998年《The Energy of Sound》；2000年《The Screen Behind the Mirror》。 作爲New Age音樂的特殊品牌，Enigma的音樂是必須聽一聽的。
Oliver Shanti(奧立佛•香提)
擁有吉普賽血統的Oliver Shanti 奧立佛•香提的生平充滿了傳奇色彩。他就像一位吉普賽的旅人一般，遊曆了大半個地球，將其所見所聞所思與世界各地的朋友們一起化爲動聽的音樂。作爲World Music（世界音樂）的翹楚，他就像一名巧手的裁縫，將世界各地的音樂風格在他手中縱�垳鰺察な埒ダ�一幅又一幅美麗的織錦。在他的音樂世界中體現出的世界音樂，不僅是民風的形，更是東方和西方文化哲思的交彙。在他最著名的《Tai Chi 太極》系列中反映出的他對中國文化的理解以及對中國音樂的運用，足以讓一些有形無神的中國音樂人汗顔。
Karunesh（梵語偉大的憐憫之意）
同樣頗具傳奇色彩的還有Karunesh（梵語偉大的憐憫之意）。理工科出生的他在一場車禍之後徘徊生死邊緣數天，這個轉捩點改變了他的一生。經過在印度的一段遊曆學習以後，他決心抛棄已有職位去追尋自己心中的真正所想——音樂。這也是爲什麽他相當一部分音樂作品是充滿了空靈催眠性質的冥想音樂的緣由，這類音樂的代表作就是《Zen Breakfast 道禅》。另一方面，民族樂風和電子音樂結合的世界音樂風格也是他所長，雖然這種風格並不少見，但是對電子和民族兩種音樂元素的娴熟駕馭，令他的幾張專輯都可稱經典。
Cusco
��國優秀的新世紀樂團，爲二人組合。風格爲南美印第安旋律，取名Cusco,庫斯科也是秘魯的南部城市(11世紀初起至16世紀爲印加帝國首都)。雅燃介紹過他們的最新作品2000年出品的Ancient Journeys [遠古之旅]，以及APURIMAC 聖河三部曲。從1981年開始制作的第一張Cusco 2，到2000年的Ancient Journeys [遠古之旅]，創作整整的持續了21年之久，但是，一年只有一張，屬于低産高質的音樂家！ Cusco的音樂作品，是以印加部落音樂爲元素，但是不同于Medwyn Goodall或者AH-KIN的作品。Cusco的作品結構嚴謹，構造成大型交響樂團的框架明顯，反複的節奏不是很多，音場比較狹窄而充實，靈性被整體結構的錯落層次所籠罩。所以，相對而言，Cusco的音樂更加正規化了！
Enya(恩雅)
首先介紹恩雅，是因爲她是所有New Age人中最影響力最大的，畢竟喜歡新世紀的人不算很多，而恩雅的知名度卻一點都不亞于那些流行歌手。恩雅的真名是Eithne Ni Bhraonain，後來改叫Enya。用這個發音近似的字代替，既可以讓人很容易就記住她，又避免了發音問題。1986年BBC電視台開始制作一部關于凱爾特人曆史和文化的記錄片，Enya簽約創作並演奏該紀錄片的音樂。1987年凱爾特人（The_Celts）首 次播出，它的音樂集以名爲恩雅的專輯發行，但她的這首張專輯並未引起注意。在1988年發行的水印（WaterMark）一炮走紅,其中的單曲《Orinoco Flow》蟬聯了多個國家排行榜的首位。接下來的《Shepherd Moons》驚人地締造了全球11000000張的銷售量，並獲得了格萊梅最佳新世紀專輯獎，她的另一張專輯《The Memory Of Trees》也獲得此殊榮。需要注意的是，在恩雅背後還有制作兼編曲Nicky Ryan、填詞者Roma Ryan的合作，這三人缺一不可。另一點值得一提的是，恩雅從來不開個人演唱會，由此可見要是沒有一個專門的小組負責處理恩雅的聲音，她想獲得今天的成績也是不可能的。對于想了解恩雅的朋友，可以關注這三張專輯：1997年的《Paint the Sky with Stars》 ，這是一張精選集收錄了在此以前的所有好歌；2000年的《A day without rain》，這是她最近的一張專輯，風格同以前完全一樣；2001年的《The Lord of The Rings》電影原聲，主題曲《May It Be》便是恩雅所唱，雖說只有一首而已，但她在歌壇的地位可見一斑。
Secret Garden(神秘園)
對中國樂迷來說，神秘園是另一個耳熟能詳的名字。在神秘園的官方主頁，可以看到如下這段話：Once upon a time .. a Rolf met a Fionnuala... and they made magical music together。這句話便是對他們兩人最精辟的介紹了。但我在這裏還要再廢話幾句，男的羅夫蘭是挪威音樂家，女的雪麗是愛爾蘭小提琴家，他們憑一首《夜曲》（《Nocturne》）獲得1995年的歐洲電視歌曲創作比賽大獎，從此成名。夜曲的歌詞才24個字，可以說是純粹的器樂樂曲，而歐洲電視歌曲比賽從來沒有這種音樂獲獎的先例，因此有人說神秘園重新定義了這個比賽。到目前爲止，神秘園一共出了四張專輯：《Songs From A Secret Garden》、《White Stones》、《Dawn Of A New Century》、和最新的《Once In A Red Moon》。因爲數量不多，如果感興趣很容易就能收齊。
Bandari(班��瑞)
這差不多是國內喜歡新世紀的人中皆知的樂隊，譯爲班��瑞。“班得瑞”來自瑞士，它是由一群年輕作曲家、演奏家及音源采樣工程師所組成的一個樂團。團長奧利佛•史瓦茲(Oliver Schwarz)是一位多才多藝的音樂人，不但專長多種樂器，更熟撚先進的錄音工程，曾與爲莎拉-布萊曼制作《Time To Say Goodbye》的天王制作人阿曆克斯•克裏斯坦森合作，制作過不少專輯，但摯愛NEW AGE音樂的他，最終選擇了將一身才華奉獻給瑞士山林。 “班得瑞”就是這樣一群生活在瑞士山林的音樂精靈。他們從不願在媒體曝光，一旦開始執行音樂制作，便深居在阿爾卑斯山林中，直到母帶成品完成。置身在自然山野中，讓班得瑞樂團擁有源源不絕的創作靈感，也擁有最自然脫俗的音樂風格。每一聲蟲鳴、流水，都是深入瑞士山林、湖泊，走訪瑞士的阿爾卑斯山、羅春湖畔、玫瑰峰山麓等地記錄下來的。爲了采集自然界音效，上山下海、甚至露宿山林，對“班得瑞”來說算是家常便飯。團員們必須熟知每一種候鳥的季節性與飛行路徑，爲了數分鍾的音效，往往守侯數月之久：團員們更必須舉著比人身更長的錄音架往峽谷中央采集風聲，整個過程險象環生，但也因爲如此，班得瑞樂團才能將這些音效栩栩如生地呈現在專輯裏。“班得瑞”這個夢幻般的抒情演奏樂團，將屬于瑞士的湖光山色，在音樂中予以唯美地具象，每一個音符，都代表層層壓縮到內心裏的感動。 在國內任何一個新世紀音樂站點都能看到關于她的簡介，但在國外網站不管是Google Directory還是MSN音樂頻道，從來沒有一篇對她的介紹。
ENIGMA(英格瑪)
無論你在世界什麽地方，都可能聽過這樣的聲音：一種天生的美國式的聖歌，一種通過西方流行音樂節奏表現出來的遙遠的非洲部落或嚴肅的宗教的回聲。這就是謎的音樂。它的名字和風格都是那樣令人鼓舞。並且難以置信地在世界範圍內都得以廣泛的流傳。然而，很多時候，人們只是聞其聲，卻極少了解“謎”背後的故事。“謎”到底是個什麽樣的組合？Enigma源于希臘文，意指“謎一般神秘難解之事”。因此名字除了翻譯成英格瑪之外還譯作“謎”。1990年��國音樂制作人MichaelCretu以Enigma之名發行了第一首單曲《Sadness Part One》。這首樂曲在23個國家登上了排行榜首位，並在美國Billboard專輯榜上停留了長達五年之久。發行的專輯有：1994年《Cross of Changes》；1996年《Le Roi Est Mort, Vive Le Roi》；1998年《The Energy of Sound》；2000年《The Screen Behind the Mirror》。 作爲New Age音樂的特殊品牌，Enigma的音樂是必須聽一聽的。
Oliver Shanti(奧立佛•香提)
擁有吉普賽血統的Oliver Shanti 奧立佛•香提的生平充滿了傳奇色彩。他就像一位吉普賽的旅人一般，遊曆了大半個地球，將其所見所聞所思與世界各地的朋友們一起化爲動聽的音樂。作爲World Music（世界音樂）的翹楚，他就像一名巧手的裁縫，將世界各地的音樂風格在他手中縱�垳鰺察な埒ダ�一幅又一幅美麗的織錦。在他的音樂世界中體現出的世界音樂，不僅是民風的形，更是東方和西方文化哲思的交彙。在他最著名的《Tai Chi 太極》系列中反映出的他對中國文化的理解以及對中國音樂的運用，足以讓一些有形無神的中國音樂人汗顔。
Karunesh（梵語偉大的憐憫之意）
同樣頗具傳奇色彩的還有Karunesh（梵語偉大的憐憫之意）。理工科出生的他在一場車禍之後徘徊生死邊緣數天，這個轉捩點改變了他的一生。經過在印度的一段遊曆學習以後，他決心抛棄已有職位去追尋自己心中的真正所想——音樂。這也是爲什麽他相當一部分音樂作品是充滿了空靈催眠性質的冥想音樂的緣由，這類音樂的代表作就是《Zen Breakfast 道禅》。另一方面，民族樂風和電子音樂結合的世界音樂風格也是他所長，雖然這種風格並不少見，但是對電子和民族兩種音樂元素的娴熟駕馭，令他的幾張專輯都可稱經典。
Cusco
��國優秀的新世紀樂團，爲二人組合。風格爲南美印第安旋律，取名Cusco,庫斯科也是秘魯的南部城市(11世紀初起至16世紀爲印加帝國首都)。雅燃介紹過他們的最新作品2000年出品的Ancient Journeys [遠古之旅]，以及APURIMAC 聖河三部曲。從1981年開始制作的第一張Cusco 2，到2000年的Ancient Journeys [遠古之旅]，創作整整的持續了21年之久，但是，一年只有一張，屬于低産高質的音樂家！ Cusco的音樂作品，是以印加部落音樂爲元素，但是不同于Medwyn Goodall或者AH-KIN的作品。Cusco的作品結構嚴謹，構造成大型交響樂團的框架明顯，反複的節奏不是很多，音場比較狹窄而充實，靈性被整體結構的錯落層次所籠罩。所以，相對而言，Cusco的音樂更加正規化了！
Mars Lasar
出生于��國的Mars Lasar至小就隨父母移居澳大利亞，陽光與海灘的澳洲風情使得Mars Lasar在��國人的特質之上又洋溢著澳大利亞的自由和熱情。他的作品的最大特點之一就是常在一段基本旋律上反複變奏並襯托以豐富多彩的配器變化，呈現出像天使的羽翼一般層層叠叠的獨特美感。他的早期作品電子味十足又富于幻想，因而贏得了"科幻派"的美譽。中期的兩張作品——國家公園系列的《奧林匹克國家公園》與《蔚藍色的夢》浪漫而溫馨，最負盛名。最近他又涉足世界音樂的領域，代表作《Karma 因緣》是2000年跨入新世紀以來最出色的新世紀音樂專輯之一。
George Winston（喬治•溫斯頓）
George Winston是美國密西根州的作曲家兼鋼琴家。其柔美優雅極富文人氣息的清新曲風，使他成爲先時代音樂界中極具代表性的卓越人物。喬治•溫斯頓的曲目是鋼琴美學史上最純淨逸品之大成，他的音樂舒俊流暢、旋律優美，極具可聽性。是新世代音樂中極具代表性的卓越人物。他因其優異的音樂才華而多次獲得格萊美大獎和格萊美聯社大獎提名的極高榮譽，每年都因樂迷們的強烈要求而進行100 多場全球巡演，受到世界各地觀衆們的熱忱歡迎。他成長的蒙他那州的季節變化景象，豐富了他在創作時的靈魂。這張專輯是收錄他曆年所演繹的精彩絕倫的鋼琴名曲，反映年輕時期演奏曲所帶給他的風格上的影響。當聆聽到演繹的優美節奏藍調時，時而像是身在夏威夷滑音吉他，進而想起蒙他那州的夏日風光，這些優美的鋼琴樂曲就是您常常想起的旋律，每一首曲子的背後都是大自然季節變換時賜給溫斯頓的天籁之音 認識George Winston 其人，是認識他的鋼琴曲開始的，而認識他的鋼琴曲是從認識一個女孩開始的，一切都那般的自然，那般的舒暢，就好似那山澗的泉水叮咚，婉轉流長，如癡如醉! 選自George Winston 的"December"裏的這首 “Variations On The Canon By Pachelbel”,起先在我聽來有似曾相識的感覺，相信看過韓國電影《我的野蠻女友》的人絕對不會忘記那個集漂亮與野蠻於一身的女主角在學校的音樂廳裏彈奏恰就是是這首來自George Winston卡農變奏曲。雖然說進行了修改，變得簡單一些，但是其宣泄出來的感染力，在那時，那地，那景，那人又相得益彰呢!
Kevin Kern（凱文.科恩）
他的雙眼幾乎看不見，但是，他的音樂卻意外地澄清剔透……
新英格蘭音樂學院鋼琴碩士，他的鋼琴，散發出活躍、引人深省的聆賞魅力，即使是在極弱到幾乎無聲的樂段，依然洋溢出無法言喻的深刻情感，前三張暢銷專集《In the Enchanted Garden》、《Beyond the Sundial》、《Summer Daydreams》在全球銷售皆已突破金唱片，張張皆爲行家指定收藏的新世紀名盤。凱文的音樂不僅廣受愛樂者的喜愛，也榮登Billboard新世紀音樂排行榜的前幾名。凱文說：「只要想到來自世界各地不相識的人們，都被我的音樂所感動，我就感到無比的喜��。將這樣的音樂傳遞給大家，也成爲我畢生的職志。」
Jim Brickman
Jim Brickman 是新世紀曲風中最傑出的作曲人和鋼琴手之一。 在樂壇Brickman素有「鋼琴詩人」之稱，事實上他的確善于譜寫憾動人心的抒情樂曲，除了彈奏鋼琴，Jim Brickman 還是一位知名的作曲家和演員，曾爲七喜、新力、麥當勞、耐克、露華濃和 AT&T 等企業創作過廣告音樂。除了在廣播音樂方面的成就，Jim Brickman 還獲得了許多音樂獎項，包括休斯頓國際電影節大獎、倫敦國際電影獎、克雷奧斯獎、泰利斯獎和安迪獎，他還爲一些著名的卡通片作曲，如《布蘭特船長》、《希望孩子》等等。Jim Brickman 主要爲廣播、電影及電視的原創音樂服務，秉持著對音樂的崇高理念和一份敏感的市場感覺，被PBS贊揚爲“全美最棒、最浪漫的作曲家、鋼琴家及演奏家”。 Jim Brickman 的鋼琴音樂自有其獨特之處。 聽他的琴聲，你會感受到如水般的魅惑，他的琴音，輕爽而柔軟，仿佛，來自內心最深處的那種柔媚，可以讓所有的聆聽者都爲之微笑，呵，讓人心神俱醉的鋼琴哪~~ 也許，在剛開始聽的時候，你會覺得他的鋼琴怎麽和凱文、和雅尼有一些相像，但聽久了，你會自然地分辨出不同。 若說凱文是�竸�的精靈，那麽Jim就是清靈的水，而雅尼，則是狂野的風~~
Vangelis 範吉利斯
Vangelis 範吉利斯，一位堪稱偉大的音樂家。他集創作，演奏和音樂制作于一身，是一個真正的音樂全才，被評論家譽爲"現代的瓦格納"。孩童時期開始，範吉利斯那獨特的音樂天賦就顯露無疑。他沒受過任何專業訓練，卻4歲開始創作音樂，6歲就舉行了自己作品的首次公演。而早在1973年，電子音樂剛剛起步，大家就連新世紀音樂爲何物都不甚明了之時，他已經用電子合成器開始了自己的音樂探索。他的許多史詩般的電子音樂作品和電影配樂皆深得樂迷們的鍾愛，其中最知名的作品如1981年的《Chariots Of Fire（烈火戰車）》，1983年的《Theme from Antarctica（南極物語）》，1992年的《1492〜Conquest of Paradise（哥倫布傳）》等等，都是享譽全球的巨作。其中烈火戰車以及哥倫布傳更都榮獲當屆的奧斯卡最佳配樂獎，確實實至名歸。Vangelis的作品多達數十張，但他的性格與Michael Cretu差不多，都喜歡過著近似隱居的生活，埋首于自己的音樂創作之中。所以他的名字對于普羅大衆而言遠不及恩雅等人熟悉，但他的作品從不曾耳聞的人我猜可能不多。事實上，他的許多音樂，包括以上的三大名作、Pulstar（脈沖星）、喜馬拉雅山等等，都曾被不計其數的影視作品甚至廣告引用過。相信許多人聽過他的專輯後可能都會發出恍然大悟的一聲贊歎。最近，範老先生更不甘寂寞，接連參與了兩大盛事。其一是爲慶祝美國國家航空和宇宙航行局（NASA）的2001年火星無人探測器計劃（又名Odyssey 奧��賽計劃），在希臘雅典的宙斯神廟舉辦了一場聲勢浩大的紀念音樂會。在希臘文化部的贊助和負責奧林匹克運動會的希臘傳統文化協會的主辦下，"Mythodea"成爲自公元前6世紀來第一次在宙斯神廟舉行的盛大音樂會。演出陣容包括倫敦大都會管弦樂團，120人的希臘國家歌劇院合唱團、28名打擊樂鼓手以及女高音歌唱家Kathleen Battle和Jessye Norman。在這場劃時代的音樂會上，範吉利斯憑著長期以來對NASA太空計劃的著迷，將人們對太空的探索和無限想象融合了他對音樂、宇宙、神話的熱愛，結合交響樂、大合唱、歌劇、希臘民謠、電子等音樂元素，創作出了"Mythodea"這部史詩般的巨作。幾乎每一個聽到看到這場音樂會的人，都會被其無與倫比的場面及氣勢所感染。音樂會的CD及DVD現在在市面上都可見，強烈推薦各位有機會一定要欣賞一下。而兩大盛事之其二，就是在2002年的日韓世界杯足球賽上，範老先生也擔任了音樂總監一職，並爲大賽譜寫了主題曲《Anthem Orchestral 頌樂》，也就是雙方球隊入場時常能聽到的那首美感與激情並重的曲子。短短兩年時間，範老先生連續參與兩大世界盛事，而且音樂水平絲毫不見衰退迹象，足見寶刀未老。
Yanni（雅尼）
Yanni（雅尼），一個不僅在新世紀音樂樂界，甚至對于普通人都不會太陌生的名字。1997年那場空前的紫禁城音樂會，讓中國的無數老百姓們認識了這位胡子像魯迅、頭發像鄭伊健的希臘帥哥紳士（哈哈~~），同時也第一次接觸了這種稱爲新世紀音樂的新鮮玩意兒。與Vangelis一樣，Yanni也是個多産的天才音樂家。他1954年誕生于希臘的Kalamata（卡拉馬塔），高中後便前往美國Minnesota（明尼蘇塔）大學進修。在大學期間自學鍵盤、作曲、制作，並加入Private Music，盡展其音樂天賦，一鳴驚人，是Private Music有史以來銷量最好的藝人。整個80~90年代，他一直活躍不息，發行過超過30張專輯，而且全都水平不俗。在AMG All Music網站上，僅五星滿分的專輯他就有兩張，四星以上的更近十張。無論這個評分可信度如何，這個傲視群雄的紀錄都足以說明他在新世紀音樂界不可替代的重要地位。不僅如此，Yanni先後于英國皇家艾伯音樂廳（Royal Albert Hall）、雅典帕拉農神殿、埃及獅身人面像、印度泰姬陵、中國紫禁城等世界名勝古迹舉辦音樂會，這樣的創舉不僅在新世紀音樂界中是絕無僅有的，即使在其他領域也鮮有匹敵者。洋溢著魅力和感染力的音樂，令無數人如癡如醉，充分領略到新世紀音樂的美妙。誠然，雅尼的音樂確實富于鮮明的表演性質和商業氣息，因而一直受到評論家們的诟病，不過對于如此大規模的音樂會而言，這也是完全無可厚非的，況且Yanni是第一個人能將新世紀音樂音樂用如此平易近人的形式帶到普通人面前，他對于新世紀音樂的推廣普及的的確確起了不可估量的積極作用。最後告訴大家兩個非常誇張的消息：早在14歲，雅尼就參加了希臘國家遊泳隊，更打破了自由泳的希臘國家紀錄，後來前赴美國明尼蘇達大學時，學的還是心理學呢。這位大叔還真是人不可貌相呀！
Chris Spheeris
Chris Spheeris，浪漫而潇灑的紳士，英俊的面容後面是一位傑出的音樂作曲家和演奏家。從小多才多藝的他，八歲就能在畫布上畫抽象畫，十一歲開始嘗試寫詩，十二歲便抱著他自己的吉他爲其寫歌，到了十五歲他開始將其詩作譜上曲韻後，正式開創了他的作曲生涯。後來在70年代末80年代初，他遇見了另一個吉他手Paul Voudouris，之後便開始學習其他的樂器，比如鍵盤和貝司等。1985年他和著名的哥倫比亞唱片公司簽約，並推出了個人第一張專輯《Desires Of The Heart 心中的渴望》，並由此開始他的輝煌生涯。其實，Chris Spheeris已浸淫新世紀音樂樂界達十年之久，只因缺乏跨國唱片公司集團作有計劃的密集宣傳，才會在知名度上遜于其他音樂家。但就音樂的質感而言，他重現愛琴海濱曆史氛圍的功力可說無人能及。由于對宗教儀式特別感興趣，他在旋律創作上受東正教與希臘民謠的影響極深。年輕時他尤其喜愛披頭四、��彪西的音樂，大學時期遠赴英國鑽研哲學的經曆更讓他始終念念不忘希臘文化的根源，再加上嗜愛以旅行來觀察歐洲各地的風土人情，也難怪他的專輯總是從探索人類心靈活動或者懷想古文明風采的角度出發了。他輕車熟路的駕馭著希臘古典美態的音樂，同時給這種迷人的音樂灌入了各種世界音樂、古典音樂和民間音樂，從而産生了屬于他自己的音樂：由吉他和鋼琴爲主樂器，以柔慢而穩定的節奏來演繹的浪漫情懷，輕緩卻沒有絲毫拖沓和迷廢的音樂空間。聽他的音樂是一種休閑和回憶的享受，更給與我們一種的全新的安逸享受氛圍！Chris Spheeris目前共推出過12張專輯，雖然數量難比前兩位，但在AMG All Music上也獲得了甚高的評價。
Ginkgo Garden（銀杏花園）
以Eddy F. Mueller爲靈魂人物的Ginkgo Garden（銀杏花園），是另一位大師級的藝術家。華麗恢宏而不過火流俗的電子音樂，對印度、日本和中國等東方音樂元素恰如其分的融合運用，將音樂和詩歌繪畫藝術匠心獨運的結合，這三個鮮明的特色的確令Ginkgo Garden在不同于Enigma的另一條路上達至了至今無人能及的高度。而每三年才出一張專輯的完美主義，不僅在一次體現了��國人特有的堅持和執著，更令Ginkgo Garden的4張專輯無一不是精品之作。
Sarah Brightman（莎拉•布萊曼）
Sarah Brightman（莎拉•布萊曼）從小就立志成爲一名著名的藝術家。在受到美國的現代歌劇大師Andrew Lloyd Webber的青睐，並成爲其妻子後，她迅速成爲歌劇界的知名紅伶。可是她不甘心自己的努力和天分都被丈夫的名聲所掩蓋，被人誤以爲"妻憑夫貴"，因而毅然決定與韋伯和平離婚，並謀求自立發展。于是，她懷著創造自己的音樂的夢想離開自己的誕生地，一個人來到美國。她的決定果然是正確的，憑著自己天賦的鑽石嗓子和超出常人的努力，她很快成爲了古典和流行的跨界天後。她的專輯《Time To Say Goodbye 告別的時刻》, 《Eden 重返伊甸園》, 《La Luna 月光女神》全都成爲叫好又叫座的全球大熱唱片，其中《Time To Say Goodbye 告別的時刻》, 《Question Of Honor》, 《Eden》等數首曲子都已成爲世界性的金曲和裏程碑式的經典曲目，她翻唱的《Scarborough Fair》更被評價爲有史以來最精彩的翻唱版本。最新專輯《Harem 一千零一夜》繼承了一貫優秀水平之外，更引入了阿拉伯音樂元素，發售不久再次成爲大熱。毋庸置疑，她已經完成了她兒時的夢想，可是她依舊謙遜，依舊繁忙。她說："我想寫一部小說，我想要把現代音樂和古典音樂融合起來。但首先我不得不從頭做起，有那麽多我想要學的東西。不繁忙是不可想象的。"
Gregorian（格林高利合唱團）
Gregorian 格林高利合唱團是由12位浸淫于教堂音樂與合聲風格，擁有深厚古典基礎，並在英國倫敦樂界有一定地位的演唱家所組成。其主要制作人Frank Peterson曾是Enigma的一員，他的知名作品有很多：如Enigma的《Sadeness》和《Principles Of Lust》、Sarah Brightman的《Time To Say Goodbye 告別的時刻》等等。正因如此，我們常常可以在他們的作品中聽到與Enigma如出一轍的配器和編曲，而Sarah Brightman更是數次在作品中獻聲，爲專輯平添幾分光彩。格林高利合唱團的三張專輯無一不是制作精良的經典之作，而將古老的格林高利聖歌融入大量現代音樂元素的音樂風格可謂自成一派，在商業上獲取的巨大成功毫不遜色于Enigma，並引領了Era等不少後起之秀。對格林高利合唱團，有一句絕妙的形容："他們讓上帝穿上了牛仔褲。"
Loreena McKennitt
一提起天籁之聲，很多人首先會想起Enya，但其實Loreena McKennitt也素以其美妙如天籁的歌喉而聞名。這個加拿大裔的女歌手雖非愛爾蘭人，但她將自己的音樂素養與愛爾蘭民謠相融合，再拼貼組合成富于個人風格的音樂，在新世紀音樂界掀起了一股愛爾蘭回歸浪潮，人稱"加拿大現象"。她從小接受嚴格的古典音樂訓練，長達十年的鋼琴以及五年的歌唱訓練，是她的歌曲具備了新古典主義的內核，譬如她的許多歌曲的歌詞都是中世紀歐洲的古詩。她的聲線又具有非常強烈的融合性，從古典到流行，從民歌到新世紀，她總能遊刃有余、揮灑自如，是一位不遜于Enya的國際天籁之聲。
Medwyn Goodall
Medwyn Goodall，一九六一年生于英國Harrowgate的Yorkshire Dale，並在這個美麗的鄉下他度過了他的童年，他姓名中的Medwyn是一個古凱爾特名字，現在在威爾士地區還可以聽得到。他是一個完全的素食主義者，沒有孩子，是個十足的愛貓人；喜歡科幻電影、池塘、水族箱，還有漫步。他在六十年代的流行樂曲聲中長大，他尤其喜愛Beatles和Beach Boys--他們的旋律影響了他，促使他要求並得到他的第一把吉它；Medwyn Goodall長到11歲的時候見到了英國流行歌星 Cliff Richard，他鼓勵他走上了音樂的道路。當他在他的吉它上掌握了兩三個和弦之後就馬上開始了作曲，並且和許多象他一樣十幾歲的年青人組成的樂隊去演奏。其中一支叫Trax的樂隊曾經在電視和電台的節目中出現，並且作爲英國廣播公司的嘉賓出現。Medwyn Goodall靠自學而精通多項樂器，其實他並不會讀或寫譜，但卻在自建的工作室裏錄制下自己作曲、編曲的音樂，令人驚奇的是你可以在他每張作品中，找出一打以上的樂器來……Medwyn Goodall喜歡以古文明人作爲創作的題材，並在自然環境中尋找靈感，他能將旋律完美准確地嵌入，有著素人音樂家無可抗拒的魅力！Medwyn Goodall從他的家鄉和工作室所在地Cornwall那美好的鄉村景色中獲得了靈感並將它們融入到自己的音樂中。他的主要樂器吉他，同時它還能演奏一打以上的樂器。他發明了他自己特有的風格，富于旋律性，表達性同時優美異常。Medwyn Goodall最終還是成爲了一個自然音樂家，他拾起許多樂器並演奏它們。他演奏樂器的範圍十分驚人，包括低音提琴，曼陀林，鋼琴，鼓，豎琴，長笛，鍾琴，牧笛，電顫琴和各種電子合成器。他自己設計並修建了自己的錄音室，並設置了各種各樣的取樣器（Medwyn聲稱這是他最喜歡的樂器，因爲它們能演奏出世界上的所有聲音），合成器，吉它和豐富聲學設備。
Matthew Lien
馬修-連恩 出生地在聖地亞哥，置身加拿大育空地區，卻因爲想要接觸大自然與原野，而之身前往加拿大北方一個名叫（白馬）的小鎮。他是首屈一指的音樂家，作家，攝影家，冒險家和印地安人，與極地荒野裏的馴鹿最感人肺腑的接觸。其作品源于自然，反映出他對原野的熱情。他的音樂，給人享受和憧憬的感受，讓你真的感覺到了自己擁有一個不受約束的靈魂，這樣的感受是安靜、祥和、平淡、純潔的•這完全不是享受那麽簡單的事情了，找到的是最原始的感受，是震撼的，而這震撼不是通過強烈的音符和激蕩的旋律。而讓人感覺震撼的的卻是那份平靜、柔和、及仿佛隔世再見的親切……
Ron Korb
有著日本、加拿大血統的年輕演奏家雷恩•寇伯（Ron Korb），真是一位笛類樂器的高手，他從長笛、低音長笛、愛爾蘭�堙�、乃至中國竹笛均無所不通。他有過無數現場表演經驗，在全球已超過16個國家曾邀請他登台演出；更在數不盡的唱片與電影原聲配樂中留下經典錄音；迄今爲止他已經發行過9張跨國專輯，他因此被譽爲“當代第一魔笛”。
Amethystium
Amethystium是一項音樂的分支,建立在1998年。 就象一種新事物剛出現難以定位一樣,他們的音樂被描繪成是新世紀音樂和電子音樂及其它品類的混合,其成員darkwave，ethno, electronica等完全創作出了這樣一種形式的音樂分支:它包含著冥想.歡快.精神升華.廣闊以及喜怒無常的音樂元素,現在新世紀音樂公開認爲他們是另一種風格的冥想樂分支.
總之,他們就是新世紀的一個流派,以完全不同的風格吟唱對無限天地、人及宇宙的感受或領悟，這裏含有典型的凱爾特、印度、尼伯爾甚至中國西藏的音樂元素及宗教聖詠（如格裏高利）。爲此樂隊成員還親自到這些地方切身體會，並且在很短的時間裏以極大的激情和靈感獨特地把感受記錄下來，不受任何音樂教條的影響，非常自然的形成了每一首曲子。他們認爲：只要能夠表達某種無限的東西，與精神有深層的共鳴，無論哪種樂器都可以運用，比如打擊樂。因此，樂隊的作品受到了包括搖滾樂、交響樂、輕音樂。。等等各種愛好人群的普遍歡迎，登上了各種至尊的名次和地位，成爲世界許多地方人們心中有磁性的音場
KITARO(喜多郎)
喜多郎是東方新世紀音樂家的代表人物之一，原名高橋正則，生于愛知縣豐橋市，獲得了第43屆格萊梅最優秀新世紀音樂專集獎（此前他獲提名達五次之多）。喜多郎曾移居到科羅拉多州海拔3000米的洛基山中，正是嚴寒與寂靜的環境孕育了喜多郎的音樂。據說他還在中國敦煌隱居了10個月。有意思的是喜多郎從未接受過音樂方面的教育，甚至看不懂五線譜。可見在音樂方面有才華的人並不爲五線譜所累。他探索的是音樂者心靈的旅程，靈感來自于宗教的音樂，他的音樂氣勢磅礴，將聆聽者帶進他自己的心靈世界，感受他的真誠自然。70年代初，Kitaro是用鋼琴來表達他的音樂的，並且加入了“Far East Family Band”樂團，後來在��國路演時偶然聽到了“Tangerine Dream”樂團的電子合成音樂，音樂打動了他並讓他作出了改變他一生的決定，回日本後，他開始創作電子音樂。首張專輯《Astral Voyage》發行便震撼了當時一成不變的音樂界，跟著第二張專輯《Full Moon Story》的發行，更是奠定了他在音樂界的地位，亞洲音樂人要進入國際音樂市場本非易事，但Kitaro做到了。“Silk Road‘成爲他的招牌作品。90年代初期，Kitaro跟西方一家唱片公司簽約，發行了12張專輯，當中專輯《Live In America》最爲出色，其中以東方吹管樂結合西方弦樂呈現力和美的空靈作品“Matsuri”被視爲該專輯的顛峰之作。喜多郎擁有20多年的創作生涯，28張專輯，5項葛萊美提名以及全球愈千萬的銷售數字，就這一點來說，Kitaro無疑是成功的。
Himekami（姬神）
姬神(Himekami)，本名“星吉昭”，是日本與喜多郎齊名的新世紀音樂教父。姬神的音樂早年散發出日本文化中極致的空靈美感，後來往日本原住民音樂發展，開始趨向部落化，將日本東北的原始風貌與風俗民情藉由嚴謹的電子音色詳細描寫。他的音樂風格具有濃厚的民族風味，與衆不同，結合科幻、宗教、部落、神秘等元素的手法演繹出令人折服的音樂！姫神的作品風格清醇，飽含著人類對神、自然的崇敬與愛。一方面融有深厚的民族性質，滲透著真實的曆史與人文風土；另一方面采用大量電子音樂元素，hip hop、house節奏等現代的音樂表達方式；聽的時候可以感覺到從遙遠的奧羽山脈、北方高地所流瀉飄散出的神風之清響，召喚著那些最親近自然的人類祖先的靈魂。姫神的音樂最大的特征就是“日本式笛子的樂曲”，演奏出來的主旋律大多數都是柔和的 、帶有透明感的矩形波系的音色。編曲方面盡管我們仿佛可以聽到鸠笛（奧卡麗那笛）以及南美洲的豎笛，但是在普通場合下還是讓人聯想到日本的尺八和�堙�。充滿以DO RE MI FA SO這5個音爲基調而形成的具有日本風格的容易記憶的旋律，每個細節都幾乎接近完美，沒有多余累贅的音段在內。他的音樂一般不太采用與大自然有關的素材，比較旋律化，抒情感性。姫神積極地引進日本民謠和蒙古歌唱法，而這些聲樂的存在逐漸從修飾的作用一躍成爲了姫神音樂的主要成分。他不斷追求自我應用的結果就是在這個世界上産生了獨一無二的“姫神的聲音”。
Joe Hisaishi（久石讓）
久石讓，1950生于日本的長野，是日本最多産，同時也是最具影響力的現代音樂藝人。在長達二十年的傲人音樂生涯中，他擔任作曲、制作、編曲和演奏等多項工作。 久石曾爲超過二十部電影擔任配樂工作，並曾四度贏得日本電影金像獎最佳電影配樂獎。他還爲許多電視連續劇以及數不清的電視廣告制作配樂。 這位以獨特的極簡風格著稱的鋼琴兼鍵盤手曾出版超過十五張以上的暢銷個人專輯
S.E.N.S（神思者）
S.E.N.S，Akihiko Fukaura(深浦昭彥)和Yukari Katsuki(勝木由佳莉)組成的二人樂團。NHK得禦用配樂，“海上絲綢之路”，“故宮”，多部日劇的配樂，“愛情白皮書”，“青鳥”，“神阿，請給我多一點時間”，“兩千年之戀”，“PS.俊平，我很好”等，1989年憑借《悲情城市》配樂獲得金獅獎最佳傑作獎開始爲世界眼光所關注。
Sojiro（宗次郎）
日本陶笛家宗次郎，向來是以發自內心的音樂情感，透過清新悠揚的陶笛樂音，闡述他對于自然萬物與山川土地的感懷。爲了追求最合乎理想的完美音色，宗次郎更學習親手制作陶笛這項樂器。他于1985年獻出的處女演奏作品，其清新音樂風格馬上博得市場的認同與贊賞，93年推出的曆史性大碟‘木道’、‘風人’、水心’，將大自然循回不息的生命表露無遺，更一舉獲得日本唱片大獎，奠定他陶笛演奏的不墜地位
郭英男（Difang）
郭英男老人正是一位這樣的典範。郭英男（Difang-Duana，1921.3.21〜2002.3.29），是台灣阿美族馬蘭社部落的原住民，族人們都尊稱他一句"阿公"。郭老生于斯，長于斯，也逝于斯。對他來說，唱歌就像喝酒吃槟榔一樣，是生活中最尋常的事情。他說："小時候家裏窮，去放牛時，聽到大人們在練唱，就跟著哼。"馬蘭部落有四五個郭英男的拜把兄弟，以前，大家每天一邊捕魚、種田一邊唱歌、乘涼、練和聲，彼此都有很好的默契。這幾年來，這些老兄弟們相繼去世，郭英男爲了讓阿美族的歌聲繼續流傳，開始教自己的妻子、弟弟、妹妹和親戚演唱，組建"馬蘭吟唱隊"。但郭老並不像一般的土著居民那樣畫地爲牢，17歲便破格成爲部落領唱的他，一直期望著有一天帶著阿美族的音樂走出部落，讓世人都能聽見。阿公的努力並沒有白費，1988年前赴法國，1999年再赴日本，都在當地造成了轟動。1993年Enigma引用《老人飲酒歌》創作的《Return To Innocence 反樸歸真》更使郭老及馬蘭吟唱隊的歌聲成爲世界的焦點。質樸純真的歌聲，征服了每一個聆聽的人，也印證了"民族的才是世界的"。Deep Forest其中一名成員Dan Lacksman與郭老合作，制作了《生命之環 Circle Of Life》與《跨過黃土地 Across The Yellow Earth》兩張專輯。專輯音樂雖然形式上沿襲了Deep Forest一貫的電子風格作爲流行化的包裝，但是嘹亮的歌聲裏那份紮根大地的本質並沒有變，那份粗犷奔放的生命力依然令人感動。正是由于郭老對于推廣原住民音樂的巨大貢獻的地位，當年的第13屆台灣金曲獎向雙雙仙逝的郭英男和郭秀珠夫婦頒發了特別紀念獎。郭老已經離開我們一年半了，就讓我們用最原始純粹的歌聲來懷念這位可敬的老人。
朱哲琴（Dadawa）
朱哲琴（Dadawa）與何訓田這對黃金搭檔是另一支享譽全球的中國新世紀音樂家。不少人可能會誤以爲朱哲琴是西藏人，其實她祖籍湖南，生長于廣東，是一個地道的南方女孩。我想大部分人都是從《阿姐鼓》才開始記住朱哲琴這個名字的，但其實早在1990年，朱哲琴就憑著一首由真實故事改寫的流行歌曲"一個真實的故事"（原名丹頂鶴的故事）傳唱全國。但她很快就厭倦了走穴賺錢的流行樂壇，而前往四川時與何訓田的相遇則將兩人都轉上了完全不同的一條新路。1992年第一張專輯《黃孩子 Yellow Children》由香港雨果出品。專輯雖然在當時並沒有引起太大反響，但《阿姐鼓》的合作基礎和雛形已經在此時奠定了，同時爲其後他們的音樂走向國際奠基了一塊超越視野的平台。1995年的《阿姐鼓 Sister Drum》成功被美國華納相中，在全球56個國家和地區同步發行，成爲國際唱片史上的第一張全球發行的中文唱片。鑒于外國人很難念准"朱哲琴"這樣的音，朱哲琴融合了藏語月亮（Dawa）與達達超現實主義（Dada），創造了一個新詞"Dadawa"作爲自己國際化的名字。隨著1997年《央金瑪 Voices From The Sky》的再次成功，"Dadawa"被譽爲"中國的恩雅"，更成爲了老外心目中中國New Age的代表人物。對于西方人而言，洋溢著東方神秘色彩的天籁之聲，就是其必勝之道。但對于中國人而言，這種新鮮感與誘惑力就要大打折扣了。這正是爲什麽朱哲琴在海外的評價要遠遠高于國內的主要原因之一。認爲朱哲琴的所謂"西藏音樂"並不地道，也是國內輿論界對其的另一大诟病。對此朱哲琴解釋說她的音樂只是用了西藏爲背景，融進了西藏音樂的元素，但這並非純粹的西藏音樂，而是兩個概念。由于今年"天唱人間"音樂會上的喝倒彩風波，朱哲琴再一次成爲國內音樂界及輿論爭執不下的焦點話題。但無論大衆能否聽懂和接受她的音樂，我相信朱哲琴的地位和貢獻是無法輕易否定的。我們只能期望，現在正處于自省醞釀期的"Dadawa"，當下一次出現在我們眼前的時候，能帶來一次新的震撼。
James Horner
Horner雖非蘇格蘭人，但他卻對蘇格蘭音樂有一種難以割舍的執著熱愛。從《Titanic》、《Brave Heart 勇敢的心》、《Patriot Games》等電影配樂作品中我們可以感受到他的蘇格蘭情結，還有洋溢的才華。當Mel Gibson飾演的William Wallace攀上群峰之巅，在龐大的交響樂團襯托之下，悠久綿長的風笛聲高低回轉時，你就會深深地被蘇格蘭人的民族氣質所打動。電影的最末一句話"They fought like warriors. They fought like Scotches. And they won their freedom!" 這句話他們當之無愧呢。！
Hevia
提到風笛，還有一位音樂家不能不提的，那就是西班牙的風笛大師Hevia。不同于Horner是較偏向傳統的民族風格，Hevia的風笛更具備新世紀音樂的特質。同樣並非凱爾特人的Hevia沒有拘泥于傳統，反而發掘出了風笛新的演奏技法和風格，更自行研制出了"電子風笛"，將風笛的音樂領域大大拓�遏�在這裏，風笛的特質得到了最大程度的展現。相信每一個聽過他的作品的人都無法忘記他那標志性的演奏方式——急促躍動的32分音符如洪水一般連綿不絕的蜂擁而出，讓人瞬間淹沒在好象無休無止的絕妙旋律中。融合了中亞、阿拉伯等異域風情的曲風更使風笛不再局限于凱爾特的範疇，開辟了一片更遼闊的發展空間。笛在他手中已不再只是一件樂器，更是一件魔術師手中的魔法道具，變化出令人贊歎、驚訝、耳眩神迷的神奇魅力。
Michael Flatley
至于舞蹈，相信很多人也都曾耳聞目睹那享譽全球的踢踏舞。那麽我們不能不知道的，就是現譽爲"最偉大的踢踏舞者"的Michael Flatley。Michael是愛爾蘭裔的美國人，在芝加哥長大的他憑借自己精湛的舞技實力，那令人咂舌的每分鍾180下踢踏的世界紀錄，成爲有史以來第一個在英國"班門弄斧"表演踢踏舞還能贏得全場站立鼓掌的人，也由此成爲當之無愧的踢踏舞王。無論是一開始"Riverdance 大河之舞"台柱，還是後來自立門戶自組舞團，在他和他的團員們的腳下，愛爾蘭音樂中最熱情奔放的一面得以淋漓盡致的表現出來，神乎其技的舞蹈配合酣暢飛揚的樂章，綻放著讓人目眩神迷的魅力。
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New Age的分類及常見的表演形式
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- 2007/02/12(Mon) -
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一般來說，現有的New Age Music專輯按其表演形式可以分成以下幾類 ---------
★★★ 器樂演奏 ---包含器樂獨奏（Solo Instrumental）、新古典樂派（Neo-classical）、新原音樂派（New Acoustic）等。
New Age Music的知名品牌，如Windham Hill與Narada等等，大多是靠錄制這類音樂專輯起家的，其後形成一股風潮，新世紀音樂家們紛紛以這種「印象派」風格進行創作，甚至從民謠中取得靈感，以鋼琴、吉他、居爾特豎琴及��西馬琴（hammered dulcimer）等樂器來進行表演。雖然有些作品確實是推陳出新，且往往能牽動人心，但也有許多二流樂手投機地搭上這股風潮，創作出如同「裝飾用壁紙」一般的作品，導致這類音樂一時聲名狼藉。但還是有許多樂手仍然在此領域創作不辍。
當代許多演奏家都受過嚴謹的古典音樂訓練，卻又不願屈從現代古典樂風對于理智的、無調性的作曲形式之強調。這些樂手盡管對音樂的诠釋皆有獨到之見地，古典音樂對他們而言仍是重要的靈感來源。就當代演奏形式的音樂（contemporary instrumental music）的脈絡而言，新古典音樂是指任何受到古典音樂影響的音樂類型；或者是以重新編曲的方式演奏古典音樂（巴哈、帕海貝爾與��布西的作品似乎是最受歡迎的改編對象），或者是把巴洛克、古典的、浪漫樂派的、印象樂派的音樂因素予以重組，都可以稱爲新古典樂派。
新原音樂派則是混合著bluegrass鄉村音樂與爵士樂，聽了可使人精神爲之一振的音樂類型；專輯中通常都使用曼陀鈴琴、小提琴、斑鸠琴及原音吉他等民謠風樂器。這類音樂家的行家功力就展現在他們拓展音樂領域的能力之上：除了傳統音樂家因循故技的角色之外，他們的才華每每會在即興表演與複雜的爵士合音中淋漓盡致地呈現。
★★★ 環境音樂 ---這類音樂除了稱作環境音樂（Ambient Music），也有人稱它爲自然音樂、�竸Р施曄∝鄲神魂施枦�，現在因爲盛行于仕女水療（SPA）與渡假中心冥想室，竟也有人稱它爲SPA音樂。
事實上「環境音樂」這一名詞是由Brian Eno所創立，使用回音、電子樂的回響（Reverb）以及其它利用空間創造出的聲音技巧，把這些都當成營造氣氛與聲音環境的音樂要素，早期環境音樂大多屬無調性實驗音樂（Atonal Experimental Music），其中許多作品曲目時間很長，但這段時間內的音樂內涵與音色的變化上卻是極其細微，例如單調重複而冗長的火車聲與飛機起飛的聲音。但現在一般所謂的環境音樂卻有其更廣泛的定義，包含透過環境音「取樣」（Sampling）、結合音樂而創作出的優美曲風，有如在鳥叫蟲鳴山風水潺中演奏。甚至有許多音樂工作者已經發展出一種能力，能夠仿真大自然中的聲音、企圖複制聽者對于空間與時間的感覺。
★★★ 電子合成 ---包含激進的電子樂派（Progressive Electronic）與電子─原音樂派（Electro-Acoustic）、科技─原始部落音樂（Techno-tribal）。
各種不同類型音樂的出現，往往述說著科技本身的發展。這類的音樂家已經不僅僅是用取樣與電子合成的方式來複制音效，他們傾向于改變聲音原有的音質，有時會轉換成根本無法辨認的狀態。有些人會創造出特有的聲音，而不使用現代合成樂家已經創造出來的現成聲音。電子樂在這類的創作中，與原音樂器扮演了相等的角色；特別是，他們通常以合音或回音等等方式來演奏原音樂器，對演奏者的技藝可是一大挑戰。這種音樂在「聆聽」、「思考」與「感覺」等方面爲我們開啓了新視野，提供一種空靈靜谧的新空間感；但令人擔憂的是，某些激進電子樂派的創作者對科技本身的崇拜，往往會棄絕了藝術表演中最真誠的性靈與心神，而流于技術的賣弄。
談到科技─原始部落音樂，其實也可說是「民族風融合音樂」的變形。這種音樂理念，在那些使用電子樂器、注重音效的音樂家之間，已漸形成一股風潮。其內涵是將人類最原始的音樂表演方式與現代科技的樂器、設備予以結合。來自于非洲、澳洲與南北美洲的原始部落旋律和樂器，配合著細致的電子音效，是這種音樂的最大特色。這種音樂創作類型的困難之處在于：創作者如何以既有的技巧與敏感度，將兩者予以完美結合，否則聽來既不如富有人文精神的世界音樂，又不能呈現電子樂的華麗精致，而成爲只是抄襲著古老音樂文化的廉價作品。
★★★ 人聲演唱
人聲（Vocals）一般都是結合新古典樂與電子樂做演出，也有部份全人聲表演，其概念多半是將人聲視爲一種天然的樂器，而在New Age的領域中，擔綱演唱的多半是悠揚的女聲或清純的童音，聽起來有如依偎在母親的懷裏，甜美自適。例如風靡全球的愛爾蘭之星恩雅（Enya）、克蘭納��主唱莫雅（Maire）、有英國恩雅之稱的妮��貝瑞（Nicci Berry）等。就連唱腔如夢似幻的百老彙音樂劇高音女伶蕾貝卡（Rebecca Luker），也出過如新古典樂風的詠歎調專輯「天籁詩篇1、2」（Aria�機↓供法�
一般來說，現有的New Age Music專輯按其表演形式可以分成以下幾類 ---------
★★★ 器樂演奏 ---包含器樂獨奏（Solo Instrumental）、新古典樂派（Neo-classical）、新原音樂派（New Acoustic）等。
New Age Music的知名品牌，如Windham Hill與Narada等等，大多是靠錄制這類音樂專輯起家的，其後形成一股風潮，新世紀音樂家們紛紛以這種「印象派」風格進行創作，甚至從民謠中取得靈感，以鋼琴、吉他、居爾特豎琴及��西馬琴（hammered dulcimer）等樂器來進行表演。雖然有些作品確實是推陳出新，且往往能牽動人心，但也有許多二流樂手投機地搭上這股風潮，創作出如同「裝飾用壁紙」一般的作品，導致這類音樂一時聲名狼藉。但還是有許多樂手仍然在此領域創作不辍。
當代許多演奏家都受過嚴謹的古典音樂訓練，卻又不願屈從現代古典樂風對于理智的、無調性的作曲形式之強調。這些樂手盡管對音樂的诠釋皆有獨到之見地，古典音樂對他們而言仍是重要的靈感來源。就當代演奏形式的音樂（contemporary instrumental music）的脈絡而言，新古典音樂是指任何受到古典音樂影響的音樂類型；或者是以重新編曲的方式演奏古典音樂（巴哈、帕海貝爾與��布西的作品似乎是最受歡迎的改編對象），或者是把巴洛克、古典的、浪漫樂派的、印象樂派的音樂因素予以重組，都可以稱爲新古典樂派。
新原音樂派則是混合著bluegrass鄉村音樂與爵士樂，聽了可使人精神爲之一振的音樂類型；專輯中通常都使用曼陀鈴琴、小提琴、斑鸠琴及原音吉他等民謠風樂器。這類音樂家的行家功力就展現在他們拓展音樂領域的能力之上：除了傳統音樂家因循故技的角色之外，他們的才華每每會在即興表演與複雜的爵士合音中淋漓盡致地呈現。
★★★ 環境音樂 ---這類音樂除了稱作環境音樂（Ambient Music），也有人稱它爲自然音樂、�竸Р施曄∝鄲神魂施枦�，現在因爲盛行于仕女水療（SPA）與渡假中心冥想室，竟也有人稱它爲SPA音樂。
事實上「環境音樂」這一名詞是由Brian Eno所創立，使用回音、電子樂的回響（Reverb）以及其它利用空間創造出的聲音技巧，把這些都當成營造氣氛與聲音環境的音樂要素，早期環境音樂大多屬無調性實驗音樂（Atonal Experimental Music），其中許多作品曲目時間很長，但這段時間內的音樂內涵與音色的變化上卻是極其細微，例如單調重複而冗長的火車聲與飛機起飛的聲音。但現在一般所謂的環境音樂卻有其更廣泛的定義，包含透過環境音「取樣」（Sampling）、結合音樂而創作出的優美曲風，有如在鳥叫蟲鳴山風水潺中演奏。甚至有許多音樂工作者已經發展出一種能力，能夠仿真大自然中的聲音、企圖複制聽者對于空間與時間的感覺。
★★★ 電子合成 ---包含激進的電子樂派（Progressive Electronic）與電子─原音樂派（Electro-Acoustic）、科技─原始部落音樂（Techno-tribal）。
各種不同類型音樂的出現，往往述說著科技本身的發展。這類的音樂家已經不僅僅是用取樣與電子合成的方式來複制音效，他們傾向于改變聲音原有的音質，有時會轉換成根本無法辨認的狀態。有些人會創造出特有的聲音，而不使用現代合成樂家已經創造出來的現成聲音。電子樂在這類的創作中，與原音樂器扮演了相等的角色；特別是，他們通常以合音或回音等等方式來演奏原音樂器，對演奏者的技藝可是一大挑戰。這種音樂在「聆聽」、「思考」與「感覺」等方面爲我們開啓了新視野，提供一種空靈靜谧的新空間感；但令人擔憂的是，某些激進電子樂派的創作者對科技本身的崇拜，往往會棄絕了藝術表演中最真誠的性靈與心神，而流于技術的賣弄。
談到科技─原始部落音樂，其實也可說是「民族風融合音樂」的變形。這種音樂理念，在那些使用電子樂器、注重音效的音樂家之間，已漸形成一股風潮。其內涵是將人類最原始的音樂表演方式與現代科技的樂器、設備予以結合。來自于非洲、澳洲與南北美洲的原始部落旋律和樂器，配合著細致的電子音效，是這種音樂的最大特色。這種音樂創作類型的困難之處在于：創作者如何以既有的技巧與敏感度，將兩者予以完美結合，否則聽來既不如富有人文精神的世界音樂，又不能呈現電子樂的華麗精致，而成爲只是抄襲著古老音樂文化的廉價作品。
★★★ 人聲演唱
人聲（Vocals）一般都是結合新古典樂與電子樂做演出，也有部份全人聲表演，其概念多半是將人聲視爲一種天然的樂器，而在New Age的領域中，擔綱演唱的多半是悠揚的女聲或清純的童音，聽起來有如依偎在母親的懷裏，甜美自適。例如風靡全球的愛爾蘭之星恩雅（Enya）、克蘭納��主唱莫雅（Maire）、有英國恩雅之稱的妮��貝瑞（Nicci Berry）等。就連唱腔如夢似幻的百老彙音樂劇高音女伶蕾貝卡（Rebecca Luker），也出過如新古典樂風的詠歎調專輯「天籁詩篇1、2」（Aria�機↓供法� 下面是一些New Age Music中較特殊的題材，在此略加介紹 ---★★ 民族風融合音樂（Ethnic Fusion）
在當代器樂演奏的音樂中，是一重要趨勢。將具有民族特色的樂器、樂風、節奏與西方音樂風格予以融合。世界上有多少種音樂文化，民族融合音樂就有多少種可能性。這一類的音樂往往和「世界音樂」、「民族音樂」的領域重疊，難以明確界定。大致上來說，世界音樂所呈顯的還是較純粹、傳統的表演，多與其文化、傳統慶典、神話傳說有關；而民族音樂的範圍應更小、更嚴謹，如同世界上各個民族自己的古典音樂，若有創新，也不偏離固有曲式、調性、曲牌等多年曆史累積形成的規格。New Age Music中所呈顯的民族風，就是帶有民族風味的樂器、旋律、意境表現，有時與音樂家本身的地域性色彩也有關系，能讓你聯想到希臘的海岸、加拿大的雪景、東方古國的神秘等等。
★★ 宗教音樂
近年來宗教唱頌與演奏十分盛行，而樂迷本身並不見得有宗教信仰。其實這一類的專輯也是富有溫潤美感、�跟仄�適、與空靈樂聲。表現的媒材也包含了器樂演奏、電子合成與人聲唱頌，中外都有這一類專輯，而且有別于歸類在古典音樂中的聖歌、宗教樂曲等。
★★冥想音樂
冥想音樂大多是電子音樂的成分，基于引發內在�跟亟凝�目標，有些人對New Age Music的興起與感受，與對「靜坐」、「冥想」（meditation）的修煉實踐以及對生命完整性的重視有關。一般而言，這種音樂類型的專輯所具有的和諧、無負擔的特色，與所謂「新世紀哲學」有密切關聯；新世紀哲學精神鼓勵人們在精神上超脫塵俗，透過心靈的修煉來進行肉體的治療。有人認爲這是針對人類腦波波長所估算出來的一項「後實證主義」。不過這一類的專輯所具有的藝術性，倒不見得低于其所具有的治療性。
★★ 電影配樂
電影配樂的風格是最多變的，嚴格來講，電影配樂應該是電影藝術整體表現的一部份，在畫面與聲音作最適當結合的時候達到尖峰，但並不表示電影配樂就不能算是完整的創作，配樂有時甚至比電影畫面更令人回味無窮。在電影相關獎項議定時，「最佳電影配樂」是個明確的卷標，但在純粹討論音樂表現時，電影原聲帶可能屬于古典、爵士、流行或New Age等各個領域。得過New Age獎項的電影配樂大師馬克伊山（Mark Isham）原是爵士樂手；英國的搖滾樂手彼得蓋布瑞爾（Peter Gabriel）因「基督最後的誘惑」電影配樂而獲得New Age獎項。由于電影藝術水准的提升，配樂的方向與風格也顯得更新穎、更具美感而多元化，這就是New Age Music的特色吧！
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New Age 音樂的特色
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- 2007/02/12(Mon) -
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到底New Age 音樂要怎麽去形容呢？就以古典音樂中的“四大要素”來歸納出New Age的特性吧！
1．節奏：
New Age的節奏很多是存在于音樂自然的律動與音符的強弱之間。其實，大部分New Age之所以要摒棄傳統的節奏，是因爲有了鼓、貝司與打擊樂器，音樂的形態
就會被限制死了，而New Age很少有強烈的節奏（但Enigma的音樂卻有很明顯的節奏），這點同饒舌和搖滾形成了鮮明的對比，它是自然而自由的，有著風一般的流線姿態。
2．旋律：
New Age的旋律就與流行樂完全不同，其即興演奏的味道很濃。聆樂者不僅很難記住旋律，而且更不知道旋律會在什麽時候、什麽地方終止。這也就是New Age音樂結構賦予大家極大想像空間的原因之−。
3．和聲：
New Age所用的和聲大部分是相當和諧的，不協和音在New Age裏使用甚少。這也是爲何New Age聽起來予人非常祥和之感的原因。
4．音色：
New Age的音色是透明的、神秘的，充滿朦胧氛圍，老實說，聽New Age聽到深處時，最大的享受之一便是音色的變幻。
除了這音樂的四大要素之外，New Age最大的魅力就是賦予聆聽者一個極大的想像空間，你可以不受形式限制，自由地在無限的想像空間中馳騁。
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什麽是New Age?
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- 2007/02/11(Sun) -
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在歐美各國旅行，隨便走進那一家唱片店或琴譜店，都可以看到一種與古典音樂、輕音樂、爵士樂、搖滾樂等並列分類的音樂新品種 New Age。可查遍新版格羅夫音樂詞典，都找不到 New Age的解釋。也許80年代以來（新版格羅夫出版于1979年）在西方世界，它已是一種家喻戶曉得無須再噜嗦的一種音樂形式吧。其實我們在日産的生活中已經接觸到很多的New Age音樂，只是大家並不知道所聽到的音樂就是New Age音樂。舉個簡單的例子：很多的電台都會用一種很好聽的音樂做背景音樂，而裏面有大部分的音樂就是屬于New Age音樂，象恩雅的音樂就屬于這種類型。大家一般都只知道她的音樂是流行樂，很少有人知道她的音樂屬于 New Age音樂，還有雅尼的音樂也是屬于New Age音樂。
最初，這種音樂還不那麽起眼，各家唱片店的老板又不知道該把它放在哪一欄裏，它像輕音樂，沒有什麽深奧的道理，可又有幾分古典音樂的風骨和氣派；它是通俗的，可又顯示著超脫的情調；它是易于流行的，但卻沒有一般的流行音樂那麽平庸或騷動。有些唱片店就把它列在類似我們新華書店“近年新書”專櫃的名堂之下，漸漸的，就成了氣候，港台的一些刊物亦隨之改譯作“新世紀”音樂。這種介于輕音樂和古典音樂之間的新樣式。它們大致上可分三大類。第一類是用自然樂器演奏的，包括一般聽衆熟悉的常規樂器，如鋼琴、小提琴、吉他等等，其中被用得最多的，一方面是接近東方樂器音色的樂器，如：雙簧管、英國管等；另一方面，民間性質的樂器，如曼多林、手風琴、排箫也常可聽到；有些演奏者特別喜歡東方的打擊樂器，如小鈴、大鑼和鍾等。第二類則是電聲樂器，它所制造的音響，也偏重神秘的、飄渺的色彩。第三類是前二者的混合。有些唱片商在制作這三類演奏形式時，往往還會加上自然界的音響，如鳥鳴林嘯、風聲鶴唳，等等。
在新世紀音樂唱片的專櫃上，你可以找到許多幹脆就是把維瓦爾第、考累利等古典音樂家的作品配上瀑布聲音作爲“新世紀”音樂發售。這多少說明了這種新世紀音樂的倡導者們的意圖：聽著這種音樂，讓人仿佛置身于大自然之中，換句話說，就是忘記西方現代文明社會的喧囂和忙碌。因此，除了大自然之外，久遠而神秘的古代，純樸而素雅的民謠，也是新世紀藝術家們所熱衷的題材。恩雅之所以能夠走紅，正是因爲她的歌適應了厭倦摩托時代的聽衆的需要。你怎會想到，一張發黃的小照作爲封套的唱片，對于懷舊的人們竟有如此的魅力。
1981年，有一位名爲坡•文特的薩克斯的演奏家，更是身體力行：拒乘轎車，堅持吃素，最後躲進森林裏去，用他的薩克斯與狼對嘯。他被認爲是“新世紀”音樂的教父，然而我們完全可以往前追溯得更多些年代找到更多的祖宗。把今日“新世紀”音樂家們的作品，和早期的浪漫派相比，難道不會使我們發現什麽有趣的相似之處嗎? 我們在柏遼茲的《恰爾洛��在意大利》中所感受到的，不也是一種自我放逐的孤獨的快樂嗎? 能否把李斯特的《降D大調音樂會練習曲》放在“新世紀”專櫃上賣呢? 它也不正表現了人們面向大自然時的冷淡和安詳嗎? 瓦格納對16世紀騎士時代的緬懷，與恩雅的那些朦胧而神秘的歌聲，又有什麽不同呢?
的確，從反叛的角度而言，新世紀和浪漫主義有很多相似之處。音樂史上每一種新的風格，都是在時髦與反時髦的鬥爭中形成的。就像穩健的古典主義是對輕巧的洛可可風格的反叛；感情至上的浪漫主義又是對崇尚形式的古典主義的反叛一樣，新世紀音樂是輕音樂領域裏後現代主義思潮對傳統審美觀念的反叛。所不同的是，古典的也罷，浪漫的也罷，它們的反叛都是在傳統的審美範疇中進行的。盡管在風格上、思想觀念上有很多變遷，但二者的背後卻有著共同的哲學觀念，那就是對生命、對快樂的理解：生命屬于我們只有一次，應當活得崇高而有意義。平衡、和諧、安定是這世界上最完美的境界。
……沈浸在“新世紀”音樂營造的恬淡平和中，的確是一件美好的事。
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